Camille Claude, la dama desgarrada por el amor.

Camille Claudel vino al mundo el 8 de diciembre de 1864 en Fère-en-Tardenois. Paul Claudel, su hermano fue quien tuvo una influencia decisiva en la vida de su hermana.

A su llegada a París la familia se instaló en el barrio de Montparnasse, ya por entonces zona bohemia y repleta de estudiantes y artistas. Allí, Camille pudo dar rienda suelta a su talento artístico gracias a su padre, quien contactó con el escultor Alfred Boucher para que aceptase a su hija en su academia parisina, la Colarossi, ya que la Escuela de Bellas Artes no aceptaba mujeres entre sus alumnos.

Durante casi tres años, Camille, Jessie y el resto de aprendices trabajaron a las órdenes de Boucher, hasta que, a mediados de 1883, éste marchó a Italia y, en su ausencia, pidió a un reputadísimo escultor, amigo suyo, que se hiciese cargo de sus alumnas. De esa manera conoció Camille Claudel a quien sería el hombre más importante de su vida: Auguste Rodin. Junto a Rodin realiza numerosos encargos entre los que destacan “Los burgueses de Calais” y “Las Puertas del Infierno” encargo, hecho a Rodin en 1880 para el futuro Museo de Artes Decorativas de París.

Con Boucher y Dubois la adentración en el realismo naturalista (estilo donde realiza cabezas y bustos que tienen como modelos a sus familiares). Búsqueda de la emoción a través de la exageración de los rasgos y el Arte de esculpir la emoción.

CARRERA EN SOLITARIO

El trabajo fue la mejor medicina que Camille encontró para el dolor causado por la ruptura con Rodin. Presa de los celos, tanto personales como artísticos, se dedicó en cuerpo y alma a la escultura. Entre 1899 y 1905 surgieron de aquel taller obras como “El Vals”, “El Pensamiento”, “La Ola” o “El Abandono”. Aunque sus mejores obras habían quedado atrás, atrapadas en el tiempo que pasó junto a Rodin, esta fue, sin duda, la época más fructífera para la Camille Claudel artista.

EL ABANDONO, 1905

LA LOCA DE MONTDEVERGUES

Ya durante 1905, Camille había dado signos de inestabilidad mental. Todos los síntomas indicaban que Camille padecía esquizofrenia, pero gracias a su padre, el único de su familia que siempre creyó en ella, se libró de ser internada en un manicomio como pretendían tanto la madre como los hermanos de la artista. Camille vivió sus últimos años en la más absoluta soledad.  Falleció en Montdevergues, olvidada de todos, el 19 de octubre de 1943.

Otras de sus obras más singulares son:

A VALSA, 1892

La información ha sido escogida de wurtz3I en abril de 2012.

                            

Camille Claudel, una vida histórica.

Germaine Richier, la escultora de la tragedia.

Escultora francesa nacida en 1902. Estudió en la École de Beaux Arts de Montpellier y trabajó con Antoine Bourdelle.

Germaine Richier modela en arcilla y, después, funde las figuras en metal. Al principio, sus obras estaban basadas en la escultura clásica y realista, combinando las formas clásicas con híbridos humano-animales. Tras la Segunda Guerra Mundial, su estilo pasó a ser menos figurativo, donde las deformaciones corporales se vieron más acentuadas al intentar transmitir un mayor sentido de angustia y su visión trágica de una sociedad en descomposición. Murió en 1959. 

Bárbara Hepworth, el agujero de la luz

Esta escultora británica nació en 1903 en Wakefield. Estudió en la Leeds School of Art, en el Royal College of Art de Londres y, durante algún tiempo, también lo hizo en Italia. 

Tras la Segunda Guerra Mundial, Bárbara Hepworth se convirtió en una de las escultoras más importantes del siglo.

Al comienzo de su carrera como escultora, sus obras estaban influenciadas por Henry Moore. Estas son abstractas y se caracterizan por poseer un espacio hueco dentro de las mismas que, a veces, reforzaba con cuerdas o pintaba. Conforme avanzaba el tiempo, sus obras comenzaron a ser más grandes y compactas. De todas sus obras, las más destacables son las elaboradas en piedra, metal y madera, que son la mayoría.

Falleció en 1975 en su taller de St. Ives en Cornualles durante un fuego en el mismo. En la actualidad, su casa y su taller forman el Museo Bárbara Hepworth. 

  

Louis de Bourgeois, secuencias del día a día.

Esta escultora franco americana nació en París en el año 1911. Es una de las artistas más importantes del arte contemporáneo.

Louis de Burgeois comenzó estudiando matemáticas y geometría pero, tras la muerte de su madre, comenzó a estudiar arte en algunas escuelas como La Soborna, Escuela del Louvre, École des Beaux-Arts, etc. Sin el apoyo de su padre. Tras casarse se trasladó a Nueva York donde siguió estudiando y luchó por abrirse paso en dicho país, ya que durante mucho tiempo su arte fue ignorado.

Su carrera etuvo influenciada, especialmente, por el surrealismo. Su trabajo era autobiográfico y estaba inspirado en las tensiones y los traumas de su infancia causados por las infidelidades de su padre, los abusos del mismo, etc. Su tema central era la feminidad aunque ella no lo consideraba así. En sus comienzos, los materiales que utilizaba para elaborar sus esculturas eran la pedacería metálica y la madera. Las impurezas de la madera las cubría con pintura y, después, hacía hoyos y rayones con clavos para expresar alguna emoción. Tras unirse al American Abstract Group, cambió la madera por el mármol, el plaster y el bronce. También comenzó a investigar otros temas como el miedo, la vulnerabilidad y la pérdida de control.

Ella definía su arte como una serie o secuencia de días y circunstancias relacionadas entre sí, describiendo su trabajo temprano como el miedo a caer que, se transformaría en el arte de caer para, finalmente, evolucionar al arte de aguantar.

Finalmente, consiguió el reconocimiento internacional al celebrar su primera retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982. Falleció en el año 2010.

Elizabeth Catlett ¡La mulata maternal de la escultura oscura!

Nació en Washington el 15 de abril de 1915 y falleció el 2 abril de 2012.

La temática de sus obras la enfocó hacia la justicia social, los derechos de la mujer y especialmente de la mujer de su casa.

El bronce, la madera, el cobre, materiales que unen a la escultora con sus ancestros son los medios usados para trabajar la escultora.

Se consagró como una de las artistas afro-americanas del siglo XX.

De sus obras, las más conocidas son las de mujeres negras, fuertes y maternales.

El bronce, la madera, el cobre, materiales que unen a Elizabeth Catlett con sus ancestros, fueron los medios usados para trabajar la escultura. Es sin embargo en el grabado donde ella alcanza su máxima expresión creativa.

Metal, madera, papel, otra vez productos de la tierra la inspiran para expresarse sobre lo que ella más conoce: su gente. El rostro de México y su imaginería aparecerá también en su obra, ya cuando la artista haga de ese país su domicilio permanente.

Las imágenes de Elizabeth Catlett hablan, son la voz de los sin voz, el volumen se alza y envuelve al observador en un compromiso adquirido en la comunicación e invita al público a la acción inmediata.

Actualmente con sus 90 años la artista sigue expresando “art is important only to the extend that it helps in the liberation of our people”, más allá de su raza, más allá de fronteras.

Información extraída :

delianegro.wordpress.com/2006/09/11/elizabeth-catlett-en-el-art-institute-of-chicago/

       

Niki Saint Phalle, el feminismo en la sociedad.

Es una escultora franco-americana, nacida en 1930 en Neuilly-sur-Seine. A través de sus creaciones curaba sus heridas y luchaba contra el rol que la sociedad colocó a las mujeres durante muchos años, siendo sus obras catalizadoras de toda la agresividad y violencia que sentía contra sus padres, ya que su padre abusó sexualmente de ella y su madre le transmitió un sentimiento de maternidad no deseada. Sus obras eran tachadas de superficiales y ornamentales y las utilizaba como elemento de provocación.

Sus obras más importantes son sus Nanas, que eran figuras de mujeres gigantes creadas en poliéster y decoradas con colores alegres. También hizo una instalación que colocó en Estocolmo llamada Hon-Katedral, que era la figura de una mujer embarazada de 29 metros, en posición yacente a la que se podía acceder a través de su vagina. Esta escultura fue clausurada a los pocos días de su apertura.

Muere en 2002.

Eva Hesse: La tristeza hecha escultura.

Fue una escultora estadounidense nacida el 11 de Enero de 1936 en Alemania.

Sus obras se incluyen dentro del postminimalismo y el arte povera.

Es conocida por ser pionera en trabajar con materiales como el látex, la fibra de vidrio y el plástico, y experimentó con estos y con otros materiales como el poliéster y la resina. Esta escultora enfatizaba en el valor estético intrínseco de las obras.

Junto a sus esculturas a gran escala, la artista norteamericana creó un gran número de pequeñas obras experimentales con una gama de materiales notablemente variada, entre los que se encuentran los ya mencionados anteriormente además de la tela metálica, la estopilla, la cinta adhesiva y la cera. Con frecuencia, estas pequeñas obras se han denominado “piezas de prueba”, dando por supuesto que se habían realizado para probar materiales y técnicas como preparación para otras obras más ambiciosas. Sin embargo, es evidente que sólo en raras ocasiones se trataba únicamente de experimentos técnicos. Los trabajos del estudio muestran el innovador uso de los materiales que hacía Eva Hesse, pero también demuestran su transformación radical de la escultura en una época en que la naturaleza misma del objeto artístico estaba en crisis. En medida similar a otros artistas seminales de la década de los sesenta como Andy Warhol o Donald Judd, Eva Hesse redefinió la naturaleza del encuentro estético en un sentido que todavía tiene repercusiones para nosotros y nosotras.

Falleció el 29 de mayo de 1970 a causa de un tumor cerebral poniendo fin a su carrera que solo duró una década.

Información extaída:

http://culturacolectiva.com/eva-hesse-lo-artesanal-visceral/

https://es.wikipedia.org/wiki/Eva_Hesse

Susana Solano, escultora renovadora del S.XX.

Protagonista destacada de la renovación de la escultura española en los años ochenta y con una reconocida proyección internacional. Nació en Barcelona en 1946 y estudió en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, donde impartió clases. Artista de gran proyección internacional y es considerada la heredera de la tradición escultórica española iniciada por Julio González, Jorge Oteiza o Eduardo Chillida. 

Sus primeros trabajos escultóricos datan de 1979, entonces Solano aprende a conjugar las exigencias formales del Minimalismo con alusiones y temas autobiográficos y subjetivos, dando lugar a una escultura que reclama una lectura simbólica. A lo largo de más de una década, a través de sus esculturas e instalaciones, Solano ha elaborado un minucioso discurso sobre el límite -mediante rituales de vacío-no con la intención de crear interrupciones en el espacio, sino para apropiarse física y simbólicamente de éste. 

Ha participado en certámenes internacionales como Documenta de Kassel VIII y IX (1987 y 1992), XIX Bienal de Sao Paolo (1987), Skulptur Projekte en Münster (1987), Bienal de Venecia (1988 y 1993) y Carnegie Internacional de Pittsburg (1988). Fue galardonada con el Special Prize, otorgado por The Utsukushi-Ga-Hara Open Air Museum, Tokio (1985), Premio Nacional de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España (1988), Premio CEOE a las Artes, Madrid (1996), Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda, Madrid (2011) y el Premio GAC por su trayectoria artística, Barcelona (2015). 

Por otra parte, ha colaborado en diferentes ocasiones con arquitectos para proyectos de exterior: José Acebillo, Ignacio Linazasoro, Hans Hollein, Ignasi Sánchez Doménech, Rafael Moneo, Francisco Torres, Javier Romero, Ferran Vizoso y Guillermo Vázquez Consuegra. Entre la multitud de sus obras escultóricas, las mas destacables son: El puente, 1986, fabricada con hierro y plomo. Escenografía del sexe, 1986, fabricada con hierro. Estació termal nº1 y 2, 1987, fabricada con hierro negro y galvanizado. Mozart, 1990, fabricada de hierro Además de esculturas, hizo un proyecto de exterior en 1996, al cual lo llamó Rompeolas, este proyecto fue construido de bloques en hormigón armado con las siglas BCN de Barcelona.

Información extraída: susanasolano.net

Esperanza d'Ors y la Feminidad.

Es una escultora española de finales del S.XX y del S.XXI. Nació en 1949.

Su obra se encuentra dentro de un clasicismo estético y temático. Siente predilección por la representación de la figura femenina, generalmente a través de Afroditas. Se inspira en la escultura arcaica y en otros autores de vanguardias. A finales de los 80, pasa de las obras de pequeñas dimensiones a figuras de gran tamaño aunque continúa con la misma temática. También cambia los materiales utilizados: mezcla de poliéster y mármol. En el año 1991 realiza una serie de obras basadas en el Mito de Ícaro donde muestra gran interés por la simplificación, la pureza y la depuración de los elementos barrocos. Estas esculturas son de gran tamaño y están hechas en latón.

Deborah Butterfield, una vida entre caballos.

Esta escultora americana nació y se crió en San Diego en 1949. Recibió su licenciatura y maestría en la Universidad de California.

Deborah Butterfield comenzó a crear esculturas en forma de caballos en la década de los 70 utilizando el barro, la arcilla y palos. En 1977, se trasladó a un rancho en Montana donde comenzó su amor hacia estos animales. En 1980 comenzó a utilizar la chatarra y el acero encontrado para elaborar sus esculturas. Durante la última década, Butterfield con cuidado, selecciona ramas y palos que utiliza para "dibujar" sus caballos.  Estos modelos son luego arrojados y quemados junto con el bronce fundido, creando una escultura única para dar paso al proceso de pátina. 

Información extraída:

http://www.danesecorey.com/artists/deborah-butterfield

Young-Ja Cho y la naturaleza escultórica.

Nació en Bussan, Corea del Sur, pero en la actualidad vive en Molicciara, Italia. 

Ella se inspiró en el budismo y la mitología griega, en conceptos de su país natal y en otros de su país de residencia. 

Sus esculturas de bronce por lo general cuentan fragmentos de la figura humana, combinada con las plantas y los animales. Las formas fragmentadas sugieren un continuo narrativo de encanto agraria y la unidad con la naturaleza. Seúl, incluyendo una exposición colectiva en 1989, titulada «Mujeres artistas en la década de 1980 ' , celebrado en la Galería de Kumho.

Su obra se encuentra en el Museo Nacional de Mujeres en las Artes.

Información extraída:

https://en.wikipedia.org/wiki/Young-ja_Cho

Cristina Iglesias, una de las escultoras mas relevante del S.XX.

Cristina Iglesias Fernández Berrido; San Sebastián, 1956. Escultora y grabadora, premio Nacional de artes plásticas y una de las artistas españolas más internacionales de las últimas décadas. Perteneciente a una generación de artistas que desde la década de 1980 ha transformado el concepto de escultura en el ámbito de las instalaciones, sus obras reflejan un vocabulario estético basado en el uso de diferentes materiales y diferentes técnicas. El contraste de texturas y materiales son dos de las constantes en su trayectoria. Sus influencias y motivaciones surgen más del arte y la cultura británicas que de las españolas. En 2007 Cristina Iglesias reapareció con su puerta-escultura para la ampliación del Museo del Prado, su primera obra pública en España. Paralelamente Iglesias estaba ultimando otra obra pública, la Deep Fountain (La Fuente Profunda), “un gran estanque con un mecanismo que hace que el agua brote e inunde la vegetación esculpida en bronce”. Es una obra muy compleja. Otras de las obras escultóricas son: techo suspendido 1997 PAISAJE II, 2002 Tiene obras en museos y colecciones de todo el mundo; entre ellos, el Centro Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou de París, la Fundação Serralves de Oporto, el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museum and Sculture Garden de Washington, D.C., el Irish Museum of Modern Art (IMMA) de Dublín, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid y la Tate Gallery de Londres.

María Pérez-Peix, las formas a grandes rasgos.

Dama de la alta burguesía catalana, recibe desde su infancia y durante su adolescencia, lo que se consideraba una educación apta para una mujer de su posición. Su agilidad manual, su alto grado de sensibilidad, así como las largas horas de ensayo, dará sus frutos con rapidez. Pero su afición por la música era incompatible con la profesión de su marido, Eugenio d´Ors, con el que contrajo matrimonio en 1906. Éste necesitaba concentración y silencio para escribir, de modo que la incita a que ejercite sus manos y vuelque su talento en una actividad artística menos ruidosa, proponiéndola la escultura como alternativa.

 María Pérez-Peix, nada más comenzar a modelar, se sentirá atraída por esta disciplina, destacando rápidamente por su habilidad. Como no estaba bien visto que firmara con su nombre sus obras, dada su condición social y siendo esposa de quien era, busca el seudónimo de Telur. Con una fuerte personalidad y carácter, María Pérez Peix fue una mujer muy adelantada para su tiempo, llamando constantemente la atención. Se caracterizó por su forma moderna de vestir y entender la vida, resultando su comportamiento extravagante, para lo que se esperaba que fuera la mujer española en la primera mitad del siglo XX. A pesar de su valía artística tanto en el campo de la música como en la escultura, estuvo a la sombra de su marido. Etapas: Primera Se inicia en 1910, cuatro años después de su matrimonio con Eugenio d´Ors y que duraría hasta 1930, dominada por el estudio de retratos.

Durante este periodo la pareja vivió a caballo entre Barcelona, Madrid y París. María pudo visitar los Museos más importantes de estas ciudades, destacando los análisis de las esculturas que hizo en el Museo del Louvre. Se conservan en el seno familiar bustos realizados por la escultora de sus hijos, hermanos, e incluso algún amigo de la familia. Son obras idealizadas donde se persigue el arquetipo clásico de la belleza y el equilibrio de las formas. Destaca de este periodo La bien plantada (1929), obra que despliega serenidad y grandeza. Un segundo periodo del año 1932, fecha de su divorcio, a 1940, se caracteriza por la realización de figuras de cuerpo entero dentro de una línea más estilizada. Centra su estudio en la figura femenina, bien desnuda o provista de ropa, pero a diferencia de otras artistas que hacen uso de las prendas típicamente costumbristas.

 Destaca la serie De la moda (1935), compuesta por ocho figuras de barro policromado, de las que fundió en bronce una tirada, en la actualidad dispersas por diferentes colecciones privadas. La argentina (1932) es en la que pueda verse de manera más clara el dominio que tenía modelando. Simplifica las formas, reduciendo los volantes del vestido de la bailaora, a un juego de ondulaciones, y los flecos del mantón, a una leve textura rayada con la punta del palillo sobre la superficie. Una figura llena de gracia y donaire, de la que elimina cualquier elemento decorativo centrando la atención sobre la expresión del rostro de la mujer representada y sobre el movimiento de su pose folklórica. Su último periodo, que se inicia con su Maternidad I (1941), se caracteriza por una serie de composiciones donde retorna a formas más volumétricas y envolventes, que nos recuerdan las creaciones más naturalistas de Maillol. Conjuntos escultóricos llenos de espontaneidad y ternura que representan escenas extraídas de su universo circundante. Representa momentos muy íntimos, como el abrazo en el que se funden una madre y su hijo, capaces de conmover al espectador y hacerle surgir toda una serie de sentimientos.