Mapa conceptual // Mind map.

¿Por qué hemos creado este blog?

En primer lugar, debemos señalar que hemos elegido este tema, ya que es muy importante resaltar la figura de la mujer, puesto que antaño, estaba considerada como ciudadana de segunda clase, y las únicas tareas relegadas eran el cuidado del hogar y de la familia.

Normalmente, no tenían acceso al mundo laboral, y mucho menos al ámbito artístico porque éstos eran considerados propios de hombres.

Las obras de las mujeres en comparación con la de los hombres eran infravaloradas, al igual que su status- ya que vivían en una sociedad patriarcal, que aún persiste, aunque con menor arraigo- llegando algunas a conocerse, principalmente,  por el nombre de sus maridos.

Es por ello, que queremos dar a conocer el valor que éstas tienen para la sociedad, así como el de sus obras y su implicación en el mundo artístico, concretamente en el ámbito de la escultura.

También, queremos impulsar, de este modo, la igualdad de género, ya que tanto hombres como mujeres, somos personas con plenitud de derechos y deberes, y tenemos el mismo valor en cualquier contexto, ámbito o  momento determinado.

Contexto histórico S.XX.

El siglo XX es un periodo de cambios acelerados. El desarrollo de las comunicaciones y de las tecnologías van a influir en gran medida durante el transcurso de este periodo. Sin embargo, los problemas socioeconómicos y políticos derivados de la Revolución Industrial culminan a principios de siglo con la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y la Revolución Rusa (1917) y más tarde con la Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Estos hechos sacuden hasta lo más íntimo las conciencias de la población. El panorama europeo es desolador ya que las guerras trajeron millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar sus países.

Sin embargo, nada más terminar 2º Guerra Mundial se inicia una reconstrucción que abarcará todos los ámbitos: político, económico, social, ético y, por supuesto, artístico. El auge de la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones convierten a nuestro planeta en una aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en el mundo entero.

En las artes plásticas surgen nuevos contenidos, materiales, expresiones y lenguaje. Los autores ponen en práctica valores renovados. 

Encontrado en: http://www.corazonistas.edurioja.org/haro/recursos/hmusica/SIGLO%20XX/index7.htm

La mujer a lo largo de la historia.

Nos parece interesante que reflexionemos sobre un texto que guarda relación con nuestro tema: “La mujer, ¿qué ha sido de nosotras a lo largo de la historia?; mudas, calladas, con voz desaparecida; y cuando por fin somos oídas, nadie comprende nuestras réplicas; réplicas que nunca debieron existir; todos somos humanos y sobre la humanidad igualdad de derechos; sin embargo, aquí estamos nosotras, las sacadas de la costilla de Adán que, desde un principio, fuimos el complemento del hombre. Gran mérito el nuestro que, siendo una maleta de viaje nos hemos abierto y hemos demostrado, aquí en la Europa occidental y otros tantos países ser capaces de equipararnos con el hombre en multitud de tareas y, superarlo en otras muchas habiendo surgido de una de sus costillas; Gracias a aquellas y a algún aquel, que han hecho posible que hoy yo aquí sentada soñando mi futuro, viviendo mi presente y recordando con nostalgia gozosos momentos de mi pasado. Por ello, este trabajo tiene como objetivo, no conocer en sí el hecho histórico de la liberación de la mujer, sino recordar a todas aquellas personas que en un constante pugna por el derecho a la libertad de las mujeres padecieron e incluso murieron por encontrar una vida digna; una vida para vivir y no para sufrir por unos absurdos ideales que no eran capaces de ofrecernos una oportunidad”.

Texto encontrado en: http://www.iesparquedelisboa.org/alumnos2001/general.htm

Papel de la mujer en el siglo XX.

A lo largo de la historia de la humanidad encontramos muchas sociedades donde las mujeres fueron consideradas inferiores respecto de los hombres. En gran parte de las sociedades tradicionales, su educación se limitaba a aprender habilidades domésticas y se encontraban subordinadas a la autoridad de sus padres primero, y de sus maridos después. Respecto al papel de la mujer en el mundo, éste fue venciendo en el ámbito doméstico en el que había estado sujeta. La mujer estaba considerada como el “Ángel del hogar”, fuera de este ámbito estaba considerada como ciudadano de segunda clase. Éste fue uno de los motivos que hicieron que surgiesen los movimientos feministas. Las mujeres de clase baja aprovecharon esta nueva visión del mundo que se les brindaba, desempeñando así multitud de puestos de trabajos.

Encontrado en: http://www.iesparquedelisboa.org/alumnos2001/general.htm

Causas de la emancipación femenina.

Indudablemente, uno de los grandes cambios del siglo XX fue la introducción de la mujer en la vida social, política y económica, y sobre todo, su colaboración activa en todos los ámbitos mencionados anteriormente. Sí es cierto, que antes, estos aspecto eran negados a las mujeres. De echo, una de las causas en este cambio, han sido las guerras, ya que las mujeres tenían que suplir a los hombres, los cuales al inscribirse en sus ocupaciones encomendaban éstas a sus mujeres. La razón del aumento de asalariadas también hay que buscarlas en la convergencia transitoria de una serie de cambios. Por un lado, esto se debió a cambios demográficos, en el que se produce una caía de la natalidad, permitiendo a las esposas reincorporarse a la actividad productiva una vez que sus hijos eran criados. Por otro lado, una causa importante fue los cambios económicos, ya que el gran desarrollo del sector terciario se acompaña de un creciente empleo de mujeres. Esto es debido a que las familias necesitan mayores aportes salariales. También, los cambios sociales, fueron el origen de la emancipación de las mujeres porque el número de quienes viven solas se eleva o se convierten en cabeza de familia debido a los divorcios y separaciones.

Encontrado en: http://mayores.uji.es/proyectos/proyectos2008/mujer_XX-martinez.pdf

El derecho al voto, el matrimonio y la moda.

En relación al derecho al voto, hubo la clásica división entre derechas e izquierdas, y también diputadas de izquierdas que lo rechazaban, pues creían que el voto de la mujer sería conservador, unos y otros se equivocaron, pues en 1933 ganaron las derechas. En cuanto al matrimonio y a las relaciones formales de pareja, las mujeres debían limitarse con los padres bajo su visto bueno, es decir, importaba más el perfil y el salario que el amor que hubiera entre ambos. Esto es, el denominado matrimonio de conveniencia. En lo que respecta a la moda, la mujer se regía por la moral casta y repleta de escrúpulos que no permitía el enseñar el tobillo o llevar un jersey escotado, por ejemplo. Las prendas que constituían sus atuendos escondían completamente sus cuerpos, ya que éste quedaba tallado estrechamente por fajas y corsés. Tras la Primera Guerra Mundial, se produjeron los primeros cortes de pelo radicales femenino.

Información encontrada en la siguiente página web: http://www.iesparquedelisboa.org/alumnos2001/general.htm

Ejemplo de mujeres importantes en la Historia.

Es importante citar algunos ejemplos de mujeres que han dejado huella en la historia mundial, gracias a esa transformación con cambios reales. Una de ellas, es Margaret Thatcher, la cual fue la primera en mujer Ministra, quien a pesar de sufrir un atentado y el ataque de la oposición siguió adelante. Otros ejemplos de mujeres ministras son Golda Meir e Indira Ghandi. También es importante destacar a muchas otras como por ejemplo, Marie Curie, Coco Channel, Rosa Parks, Virginia Woolf, Jian Qing, Margaret Sanger, entre otras.

Encontrado en: “Mujer siglo XX” http://gaviz7.tripod.com

Papel de la mujer en el Arte.

Durante siglos, el papel de la mujer en el arte se limitó a modelo y musa, es decir, como fuente de inspiración para el ojo del hombre artista. Por tanto, la mujer se convirtió en una construcción producto de la sociedad patriarcal que, lejos de introducirla en la creación artística, la mantenía limitada a un papel de completa pasividad e indiferencia. En el siglo XX, se puede observar que la mujer estaba totalmente ausente en el arte, ésta era sólo un objeto más que llenaba el lienzo desocupado como también podían serlo la arquitectura o la naturaleza. La introducción de la mujer a las artes plásticas pudo significar el comienzo de su verdadera incorporación en el proceso de autorepresentatividad Así pues, podemos afirmar que la mujer fue finalmente incluida en el mundo creativo de los hombres. No obstante, éstas logran en la postmodernidad tomar el mando creativo del arte en sus propias manos.

Encontrado en: http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/proyectograduacion/archivos/26.pdf 

El arte contemporáneo en los siglos XX y XXI a través de la mujer.

https://www.youtube.com/watch?v=eUdOcIV1wKI

Escultoras pioneras españolas.

En cuanto al contexto de España y su repercusión en la creación plástica, es destacable la situación del país. A principios del siglo XX, es de atraso en todos los frentes, los niveles de analfabetismo son grandes, existen considerables desigualdades sociales y una burguesía que acapara el poder. Todo esto llevado al ámbito cultural se traduce en un monopolio del mercado artístico por la clase dominante y, por tanto, el impedimento para cualquier signo de innovación, puesto que en general, la burguesía española invertirá en obras tradicionales y académicas. Encontramos una excepción en la burguesía catalana, con mayor formación intelectual estará más preparada para asimilar las innovaciones que se irán produciendo. Aún así, la escultura no contará con el apoyo económico de los coleccionistas que preferirán, por lo general, invertir en pintura, ni con la ayuda del estado español. Éste, al igual que ocurría en el resto de países europeos, se centrará en financiar monumentos públicos, de carácter conmemorativo sobre los que desplegará sus ideologías, controlando su estilo, sin dar opción a nuevas aportaciones.

Las mujeres imprescindibles de la Generación del 27, ¡Las Sinsombrero!

Escultura. Movimientos artísticos del S.XX.

La escultura del S.XX experimenta una revolución radical. Al igual que la pintura, esta tiende a la abstracción. Entre los rasgos definitorios del arte escultórico, podemos destacar la pérdida de la condición figurativa y, a través del amplio abanico de opciones abierto por las sucesivas vanguardias, la aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional, sometido a la acción o a la interpretación del creador. “La escultura cobra valor en sí mismo, se independiza fuera de un conjunto o ambiente determinado […]”, tal como afirma Tomperez (2013). 

En primer lugar, debemos destacar a los siguientes escultores: 

• Pablo Picasso. Desarrolla la abstracción, rompe con la tradición formal e introduce la descomposición geométrica. Sus esculturas (1904-1914) están elaboradas con materiales innovadores, tales como chapa, alambres, cordeles, etc. Picasso logra darles vida propia a través de su trabajo. 

• Pablo Gargallo (1881-1934). Trabaja con formas de hierros cubistas. 

• Constantino Brancussi (1876-1957). Alcanza la belleza eliminando detalles y simplificando formas; aunque también juega con el volumen cerrado. Entre sus obras, debemos destacar El Beso. 

• Julio González. Es el principal escultor del período de entreguerras. Realiza trabajos de orfebrería y escultura en bronce. En 1937 presenta en la Exposición Internacional de París su Montserrat, de tremendo dramatismo, reflejo del dolor de la situación de una España desgarrada por la guerra. Es el primero en utilizar el hierro de forma sistemática.

 • Auguste Rodin (1840-1917). Rodin traspasó los límites del impresionismo poniendo su arte al servicio de un programa simbolista. Obtiene efectos de luz y de vida, gracias a la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos. Su fama la alcanzó en 1877 con El despertar de la humanidad o Edad del Bronce.  

Posteriormente, desde la segunda mitad del siglo XX hasta ahora, debemos destacar a los siguientes escultores:

• Henry Moore. Este escultor concede más importancia a la fuerza que a la belleza convencional. Uno de sus temas preferidos es la figura de la mujer reclinada, creando una mujer sugerente, vital y madre.

 • Alexander Calder. Estudió ingeniería. Creador de “objetos libres”, apoyados o colgantes, hechos con láminas de metal, que se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire. 

• Eduardo Chillida. Los materiales que utiliza son el acero, la madera, el hormigón y el alabastro. Sus estructuras de corte arquitectónico son muy elegantes. 

Esta información ha sido extraída de:

http://tomhistoriadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html - http://es.scribd.com/doc/14980138/La-Escultura-Del-Siglo-XX#scribd

http://www.arteespana.com/rodin.htm 

Manifestaciones escultóricas.

El panorama escultórico en la península al comenzar el siglo será desolador. La mayoría de los artistas seguirán anclados en viejas recetas y apenas se difunden los avances en escultura que artistas de la vanguardia, como Picasso o Julio González, están alcanzando en París. Las Exposiciones Nacionales serán en parte culpables del escaso desarrollo, al apoyar durante años un arte caduco, sin apenas relación con lo que sucedía en la plástica internacional. “Los Salones de Exposiciones Nacionales se llenaban de auténticos monumentos al mal gusto, de faunos, ninfas, Penélopes y Viriatos. Veníamos bebiendo de las fuentes de la imaginería, de un neoclasicismo ramplón y de un romanticismo prácticamente inexistente”. (Alix 1985: 29) “Fueron la tapadera angélica que ocultaba todas las quiebras del arte español y cerraba el paso a todo posible arrebato creativo dispuesto a saltar, sobre el corpus de nuestro pobre arte” (De Castro 1987:5). Muchos escultores que apostaron por la innovación tuvieron que marchar a París, o en el peor de los casos, dejar su pueblo o ciudad e ir a Barcelona o Madrid, principales centros de desarrollo artístico en la península. Si Madrid, recoge las propuestas más tradicionales apoyándose en la vertiente de Bourdelle, Barcelona, será la que desarrolle el Modernismo y la escultura mediterránea heredera de Maillol. Las escultoras que quieran viajar tendrán el problema más acentuado por los condicionantes sociales. Un pasaporte seguro será estar vinculada familiarmente con un artista, siendo común encontrar escultoras casadas con uno de ellos. Comenzará una nueva etapa para la escultura figurativa, alejada de los cauces puramente académicos. Entre los ejemplos femeninos destacados dentro de la escultura mediterránea está María Pérez-Peix, escultora que firmará con el seudónimo de Telur y Eulalia Fábregas, calificada por algunos críticos como la continuadora de José Clará. La escultura mediterránea va a promover una simplificación y limpieza formal que supone el triunfo de la forma llena y equilibrada, del volumen y del fuerte modelado. Una escultura rústica, terrenal, donde se valora la masa, tomando el desnudo femenino como centro de investigación. Fue Maillol, quien la puso en marcha, en oposición a Rodin. “Las divergencias del siglo XX arrancan de la contraposición entre Maillol y Rodin, base de un tenso diálogo de las formas”. (Hofmann 1960:35). En 1931, tras proclamarse la 2ª República y publicar un manifiesto en La Tierra, se aprecia un realismo próximo al expresionismo centroeuropeo que compromete al artista con la realidad, lo obligan a comunicarse y alejarse de la belleza sin más. Estas características son apreciadas en las esculturas realizadas por Marga Gil Roësset ese año.

Visualiza los distintos Movimientos Artísticos del siglo XX.

Camille Claude, la dama desgarrada por el amor.

Camille Claudel vino al mundo el 8 de diciembre de 1864 en Fère-en-Tardenois. Paul Claudel, su hermano fue quien tuvo una influencia decisiva en la vida de su hermana.

A su llegada a París la familia se instaló en el barrio de Montparnasse, ya por entonces zona bohemia y repleta de estudiantes y artistas. Allí, Camille pudo dar rienda suelta a su talento artístico gracias a su padre, quien contactó con el escultor Alfred Boucher para que aceptase a su hija en su academia parisina, la Colarossi, ya que la Escuela de Bellas Artes no aceptaba mujeres entre sus alumnos.

Durante casi tres años, Camille, Jessie y el resto de aprendices trabajaron a las órdenes de Boucher, hasta que, a mediados de 1883, éste marchó a Italia y, en su ausencia, pidió a un reputadísimo escultor, amigo suyo, que se hiciese cargo de sus alumnas. De esa manera conoció Camille Claudel a quien sería el hombre más importante de su vida: Auguste Rodin. Junto a Rodin realiza numerosos encargos entre los que destacan “Los burgueses de Calais” y “Las Puertas del Infierno” encargo, hecho a Rodin en 1880 para el futuro Museo de Artes Decorativas de París.

Con Boucher y Dubois la adentración en el realismo naturalista (estilo donde realiza cabezas y bustos que tienen como modelos a sus familiares). Búsqueda de la emoción a través de la exageración de los rasgos y el Arte de esculpir la emoción.

CARRERA EN SOLITARIO

El trabajo fue la mejor medicina que Camille encontró para el dolor causado por la ruptura con Rodin. Presa de los celos, tanto personales como artísticos, se dedicó en cuerpo y alma a la escultura. Entre 1899 y 1905 surgieron de aquel taller obras como “El Vals”, “El Pensamiento”, “La Ola” o “El Abandono”. Aunque sus mejores obras habían quedado atrás, atrapadas en el tiempo que pasó junto a Rodin, esta fue, sin duda, la época más fructífera para la Camille Claudel artista.

EL ABANDONO, 1905

LA LOCA DE MONTDEVERGUES

Ya durante 1905, Camille había dado signos de inestabilidad mental. Todos los síntomas indicaban que Camille padecía esquizofrenia, pero gracias a su padre, el único de su familia que siempre creyó en ella, se libró de ser internada en un manicomio como pretendían tanto la madre como los hermanos de la artista. Camille vivió sus últimos años en la más absoluta soledad.  Falleció en Montdevergues, olvidada de todos, el 19 de octubre de 1943.

Otras de sus obras más singulares son:

A VALSA, 1892

La información ha sido escogida de wurtz3I en abril de 2012.

                            

Busto de Rodin, 1888. Camille Claudel

La Valse (El Vals), 1898. Camille Claudel.

Camille Claudel, una vida histórica.

Camille Claudel, y sus obras, reveladoras de su intensa vida.

Germaine Richier, la escultora de la tragedia.

Escultora francesa nacida en 1902. Estudió en la École de Beaux Arts de Montpellier y trabajó con Antoine Bourdelle.

Germaine Richier modela en arcilla y, después, funde las figuras en metal. Al principio, sus obras estaban basadas en la escultura clásica y realista, combinando las formas clásicas con híbridos humano-animales. Tras la Segunda Guerra Mundial, su estilo pasó a ser menos figurativo, donde las deformaciones corporales se vieron más acentuadas al intentar transmitir un mayor sentido de angustia y su visión trágica de una sociedad en descomposición. Murió en 1959. 

Cornèlia I, 1944. Germaine Richier.

Pastor de las Landas, 1951. Germaine Richier

La Tauromachie, 1953. Germaine Richier

¡Una sinfonía escultórica!, Germanie Richer.

Bárbara Hepworth, el agujero de la luz

Esta escultora británica nació en 1903 en Wakefield. Estudió en la Leeds School of Art, en el Royal College of Art de Londres y, durante algún tiempo, también lo hizo en Italia. 

Tras la Segunda Guerra Mundial, Bárbara Hepworth se convirtió en una de las escultoras más importantes del siglo.

Al comienzo de su carrera como escultora, sus obras estaban influenciadas por Henry Moore. Estas son abstractas y se caracterizan por poseer un espacio hueco dentro de las mismas que, a veces, reforzaba con cuerdas o pintaba. Conforme avanzaba el tiempo, sus obras comenzaron a ser más grandes y compactas. De todas sus obras, las más destacables son las elaboradas en piedra, metal y madera, que son la mayoría.

Falleció en 1975 en su taller de St. Ives en Cornualles durante un fuego en el mismo. En la actualidad, su casa y su taller forman el Museo Bárbara Hepworth. 

  

Doves, 1928. Bárbara Hepworth.

Obra hecha en mármol. Es una de sus primeras obras. Como podemos observar esta obra no tiene ningún espacio hueco en su interior, ni es de gran tamaño como ocurre en la mayoría de los casos.

Wave, 1943-1944. Bárbara Hepworth.

Obra en madera, con un espacio hueco en su interior reforzado con pintura y con un entramado de cuerdas. 

Winged Figure, 1963. Bárbara Hepworth.

Elaborada en aluminio. Sus huecos son cubiertos con un entramado de cuerdas y es de gran tamaño. Se encuentra en uno de los muros del edificio de John Lewis desde el 21 de abril de 1963, que se localiza en Oxford Street.

Family of Man, 1970. Bárbara Hepworth.

Escultura elaborada en bronce con huecos en su interior sin rellenar.

¡Acércate al Museo de Barbara Hepworth!

http://www.tate.org.uk/visit/tate-st-ives/barbara-hepworth-museum

Aquí dejamos el enlace del museo de Bárbara Hepworth mencionado anteriormente. En el mismo encontraréis información acerca de dicho museo, como el horario de apertura, el coste de la entrada, etc. También podréis encontrar posibilidades que ofrece dicho lugar para los menores de la casa. 

Louis de Bourgeois, secuencias del día a día.

Esta escultora franco americana nació en París en el año 1911. Es una de las artistas más importantes del arte contemporáneo.

Louis de Burgeois comenzó estudiando matemáticas y geometría pero, tras la muerte de su madre, comenzó a estudiar arte en algunas escuelas como La Soborna, Escuela del Louvre, École des Beaux-Arts, etc. Sin el apoyo de su padre. Tras casarse se trasladó a Nueva York donde siguió estudiando y luchó por abrirse paso en dicho país, ya que durante mucho tiempo su arte fue ignorado.

Su carrera etuvo influenciada, especialmente, por el surrealismo. Su trabajo era autobiográfico y estaba inspirado en las tensiones y los traumas de su infancia causados por las infidelidades de su padre, los abusos del mismo, etc. Su tema central era la feminidad aunque ella no lo consideraba así. En sus comienzos, los materiales que utilizaba para elaborar sus esculturas eran la pedacería metálica y la madera. Las impurezas de la madera las cubría con pintura y, después, hacía hoyos y rayones con clavos para expresar alguna emoción. Tras unirse al American Abstract Group, cambió la madera por el mármol, el plaster y el bronce. También comenzó a investigar otros temas como el miedo, la vulnerabilidad y la pérdida de control.

Ella definía su arte como una serie o secuencia de días y circunstancias relacionadas entre sí, describiendo su trabajo temprano como el miedo a caer que, se transformaría en el arte de caer para, finalmente, evolucionar al arte de aguantar.

Finalmente, consiguió el reconocimiento internacional al celebrar su primera retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982. Falleció en el año 2010.

Femme Maison, 1946-1947. Louis de Bourgeois.

Esta obra está realizada en mármol. En ella se refleja el tema del feminismo ya que es la figura de una mujer con una casa en la cabeza.